'N Uitstalling van argitektoniese grafika' Only Italy! 'Is oop vir die publiek in die ingenieursgebou van die Tretyakov-galery. Die helfte van die uiteensetting bestaan uit dinge uit die versameling van die Sergei Tchoban-stigting, die helfte - tekeninge van die Staat Tretyakov-galery, en sommige meer - die werk van vier hedendaagse kunstenaars-argitekte: Maxim Atayants, Sergei Kuznetsov, Mikhail Filippov en Sergei Tchoban.
Die uitstalling is om baie redes absoluut ongelooflik. In die eerste plek is argitektoniese grafieke van hoë gehalte 'n materiaal wat u self beskik. Om dit van laken tot laken te ondersoek, die krulle, skaduwees, personeel, orde in detail te ondersoek, is 'n perfekte plesier.
Aan die ander kant kan daar nie gesê word dat argitekte gereeld in die Tretyakov-galery vertoon word nie. Hulle word amper nooit daar gewys nie. En hier - die uiteensetting het nie net dinge uit die stoorkamers van die galery verenig nie, diegene wat op 'n ander tyd min kans het om te vertoon, met velle uit die versameling van die Tchoban-fonds wat in Berlyn geberg is. In die middel van alles, soos die kroon van die skepping, is die tekeninge van moderne argitekte.
Die ontwerp van die tentoonstelling behoort aan die SPEECH-buro en Sergei Tchoban, wat die werke van sy tydgenote (insluitend sy eie) in 'n klein rotonde-saal gereël het; in die galery rondom hom word grafika van die 20ste eeu uitgestal; op 'n afstand, in nog twee reghoekige ruimtes, word velle van die 18de - 19de eeu uitgestal, verdeel in twee blokke: "The Birth of a Theme" en "Rossika" (werke van buitelanders in Rusland). Die chronologie divergeer dus in sirkels in die ruimte van die uiteensetting, of, meer presies, konvergeer van die verlede na die hede: iets soos sirkels op die water, net andersom.
Daar moet op gelet word dat SPEECH die motief van die ronde saal eerder konsekwent ontwikkel in sy werk met uitstallingsontwerp: dit is genoeg om die uitstalling "Museum of Graphics" in ArchMoscow in 2013 (toe die Berlynse grafiese museum nog nie oop was nie) te herroep., of twee ontwerpe van die uiteensetting van die Russiese paviljoen op die Venesiese biënnale van argitektuur: skilderagtige diorama van die stad Vyshny Volochok in 2010 en "Pantheon" van QR-kodes 2012, onlangs
herskep in Zaryadye. Ronde sale is baie skaars in die ontwerp van moderne uitstallings - die rotonde-ruimte is nie baie handig om uit te stal nie, want dit is geneig om uitstallings te oorweldig en op sigself belangriker en waardevoller te lyk. Dit is 'n tempel, nie 'n museum nie, 'n plek van konsentrasie of selfs 'n diens.
Hierdie kwaliteit van die rondte word beklemtoon en in die ophangsel gebruik. Grafieke van die nuwe tyd word uitgestal in ooreenstemming met al die reëls van museumuitstalling en met die nodige respek. In die rotonde aan die linkerkant hou die grafiese vel op om selfwaardig te wees en word dit 'n ondergeskikte deel van die ruimtelike plot. Die velle Atayants, Kuznetsov, Filippov, Choban word in twee rye gehang, sonder om aandag te vestig op elke werk as museumwaarde (die grafika van die 20ste eeu in die sirkelvormige galery dien as 'n oorgang, die dwarreling self verwyder die museum al strengheid).
Die betekenis van die stelling is duidelik genoeg. Moderne grafika is hier nie heeltemal 'n tentoonstelling nie, maar eerder 'n verklaring van die feit dat dit bestaan - die missie om die tradisie van klassieke tekening voort te sit en te laat herleef. Dit maak deel uit van 'n denkbeeldige tempel van die kunste, terwyl die historiese versameling iets soos die sakristie is, 'n bewaarplek van waardevolle eksemplare.
Dit is kenmerkend dat die plastiekinterieurstelling, wat die inhoud van die tentoonstelling so subtiel interpreteer, binne die raamwerk van die taal van die klassieke bly. Heeltemal sonder 'n bestelling, maar die besonderhede en ruimtelike ervarings word deur die werklike grafiese velle by die ronde saal gevoeg. Dit is sy kortstondige argitektuur. Beskou byvoorbeeld die ronde kant van die Pantheon, geartikuleer deur 'n netjies getekende sokkel van aflaai-boë: "die pantheon in die pantheon" sit die begin-spel verder voort, reeds in 'n denkbeeldige ruimte agter die vlak van die grafiese vel.
By wat gesê is, moet daar nog bygevoeg word dat die tentoonstelling, wat begin met die "stigters" van die 18de eeu, die spesifiek Russiese tradisie van Italië bewonder verder ondersoek, en nader aan die 21ste blyk dit dat hierdie tradisie hier 'n paar heeltemal spesiale eienskappe, sonder 'n toon van bewondering en, in 'n goeie sin, obsessie, wat so subtiel vasgevang word deur die tempelvorm van die saal. Niemand bely studies van antieke so opreg soos Maxim Atayants nie; niemand dink dat sy argitektuur uit 'n waterverflandskap gebore is nie, soos Mikhail Filippov; niemand is so toegewyd aan die intrinsieke waarde van die genre van argitektuurgrafika soos Sergei Tchoban, wat sy museum geskep het, en Sergei Kuznetsov, wat voortdurend na die buitelug gaan nie. Saam is die resultaat 'n heterogene, maar beslis unieke verskynsel.
Ons het met al vier uitstallers van die kontemporêre tekenkamer gesels.
Sergey Choban Archi.ru:
Is dit regtig die grootste tentoonstelling van argitektoniese tekeninge wat tans deur u stigting gemaak is?
Sergey Choban:
- Ek dink ja. Dit is die grootste vertoning, volgens die aantal werke wat aangebied word en die tydperk wat gedek word. Hier is die werke van uitmuntende Wes-Europese skrywers, stigters van die skool vir argitektuurtekeninge van die 18de eeu, en 'n groot aantal grafika van uitstaande Russiese kunstenaars en argitekte wat aktief in hierdie konteks gewerk het.
Uitstallings van argitektuurgrafika, georganiseer deur u stigting, neem reeds in 'n sekere volgorde vorm aan. Is daar 'n algemene plan, 'n ontwikkelingsvektor, of word die plot elke keer weer uitgevind?
S. Ch.: Oor die algemeen word dit elke keer opnuut uitgevind, hoewel ons sekere beginsels het. Ons streef veral daarna om met prominente museuminstellings saam te werk. Een van ons volgende projekte sal saam met Albertina van Wene wees. Dr Schroeder [direkteur van die Albertina Museum in Wene - Archi.ru] was in die sale van ons museum in Berlyn en het 'n begeerte uitgespreek om 'n gesamentlike projek te maak - ons is baie bly hieroor en trots op hierdie voorstel. Daar is ook ander projekte.
Daar word beplan om met die Shchusev Museum of Architecture saam te werk, ek dink dit is baie belangrik.
U is 'n versamelaar, grafiese kunstenaar, ontwerper, argitek - hoe hou dit verband met mekaar?
S. Ch.: Dit lyk vir my asof dit verskillende skakels van dieselfde beroep is. In historiese konteks was argitekte ook kunstenaars; hulle was nie net besig met hoofstadgeboue nie, maar ook met verhoogontwerp, teateropvoerings.
Tot die 20ste eeu het argitekte nie fotografie gehad nie …
S. Ch.: Ek dink fotografie het nie dieselfde doelwitte as argitektuurtekening nie. Die tekening vang die belangrikste deel van menslike kreatiwiteit vas - die argitektuur wat 'n mens binne die natuurlike ruimte skep.
Intussen doen Maxim Atayants en Mikhail Filippov klassieke argitektuur, maar jy nie
S. Ch.: Natuurlik nie, dit hou nie direk verband met die argitektuur wat ons doen nie. Dit lyk vir my dat die studie van argitektuur deur tekening tot heel ander resultate kan lei: dit is die bestudering van verhoudings, ruimtelike effekte, en weefsel en detail. Dit is nie verniet dat daar vandag, nie net in Russies nie, maar ook in baie Europese skole, weer baie aandag aan tekening gegee word, want slegs deur tekening kan jy sien hoe materiale van verskillende strukture met mekaar gekombineer word, hoe die stof van die kleinste besonderhede vloei in mekaar in.
U tekeninge by uitstallings is altyd baie voltooide werke, wat uit die natuur getrek word. Hoekom wys jy nie sketse nie?
S. Ch.: Ten eerste is die tema van hierdie uitstalling nogal beslis, dit impliseer niks anders nie. En tweedens moet die tekeninge self 'n onafhanklike kwaliteit hê. Sketse het nie altyd hierdie eienskap nie.
Groei u skilderye meer uit u versameling of uit u argitektuur?
S. Ch.: Ek dink dat die versameling tog uit tekeninge gegroei het. En baie van die argitektuur wat ek doen, groei uit tekeninge. Dit groei net nie reguit nie. Daar is nie so iets dat u 'n gebou uit die antieke tydperk teken en dan iets soortgelyks ontwerp nie. Dan ontwerp jy iets anders, want die wette van ruimteontwikkeling is anders.
*** Ons het daarin geslaag om drie ander deelnemers aan die tentoonstelling dieselfde, in hierdie geval belangrike, vraag te stel: of hul grafika van die historiese verskil, en indien wel, hoe.
Maxim Atayants
Hoe verskil u grafika van die historiese wat hier by die uitstalling aangebied word?
M. A.: Die grafika is hier so verskillend … Ek voel dat die vier hedendaagse uitstallers amper net soveel van mekaar verskil as diegene wat in ander sale van hierdie uitstalling hang.
Die tydperke is anders. Moderne grafika kon nie anders as beïnvloed word deur die kolossale visuele oortolligheid van moderniteit nie. Gedurende die afgelope twee jaar is daar sedert die eerste daguerreotipe meer foto's in die wêreld geneem as in die vorige geskiedenis. Die druk van visuele oortolligheid dwing ons om die tekening anders te behandel en iets daaruit te haal wat, byvoorbeeld nie in fotografie is nie. Ek is 'n taamlik professionele fotograaf, daarom is dit vir my belangrik om hierdie dinge te vergelyk. Maar ek is bang om doelbewus oor hierdie onderwerp na te dink, want die taak om te teken en te fotografeer is dieselfde … Ek wil my vreugde en opgewondenheid op die een of ander manier uitspreek tydens die ontmoeting met hierdie geboue. Waarskynlik het Quarenghi dieselfde probleme opgelos. En die resultaat is anders, want die era is anders. Hoe anders om dit te beantwoord?
Waarom fotografeer jy nie net nie, maar teken jy ook?
M. A.: Maar hierop kan ek maklik antwoord. Omdat verskillende meganismes betrokke is. Teken is 'n manier van leer, die enigste soort menslike aktiwiteit waarin die brein, oog en hand gelyktydig betrokke is. Dit is onmoontlik om 'n uur nadenkend en gekonsentreerd na 'n stuk argitektuur te kyk as u nie skilder nie. Dit is 'n manier van leer.
Ons neem foto's vir ander om te deel, en teken vir onsself. Vir assimilasie. In my geval, ten minste.
Het u al van 'n foto geskilder?
M. A.: Ek het natuurlik, soos elke idioot wat aan die Akademie vir Kunste studeer het, snags geput uit fotografie, terwyl ek byvoorbeeld nie tyd gehad het om my vraestel te voltooi nie. Toe lyk dit vir my asof dit makliker is. Nou probeer ek dit nie doen nie, want dit is 'n sinlose nabootsing van die proses. Myns insiens is die punt van tekening om uit die lewe te put.
As ek teken, iets begryp, dan is hierdie proses diep. Waarom moet u dit vereenvoudig terwyl u dieselfde resultaat goedkoop probeer kry? Of na buite dieselfde lyk. In die gevalle waar u nie tyd gehad het om ter plaatse te eindig nie, loer u natuurlik natuurlik op die foto … Maar dit is sekondêr. Dit is verbasend dat dit nou vir my baie moeiliker en langer is om uit 'n foto te teken as uit die natuur. Dit is waar.
Sergey Kuznetsov
Hoe verskil u grafika van die historiese wat hier by die uitstalling aangebied word?
S. K.: Ek sou nederig sê dat ons dit nie kan doen nie. Ek is verheug oor die werke van Maxim Atayants, wat 'n hulpbron in homself gevind het, in staat was om in te duik en na 'n ander mate van detail te gaan - dit is duidelik dat moeilik nie goed beteken nie, maar eenvoudig nie sleg beteken nie - maar tog, watter hoogtes die ou meesters bereik het, en in geduld, en in harde werk en in die oog - dit is ongelooflik. Ons moet leer … Ek kyk steeds met afguns na die grafika wat hier aangebied word; om so 'n vaardigheid te bemeester, sal natuurlik wonderlik wees.
Beteken die teken van klassieke argitektuur die strewe om klassieke argitektuur te bou?
S. K.: Nee, dit beteken glad nie. Om klassieke argitektuur te teken, moet nie gekoppel word aan die ontwerp van klassieke argitektuur nie, net soos die lees van The Three Musketeers nie beteken dat u môre gereed is om die swaard te swaai nie.
Hoe is argitektuur en skilderkuns dan persoonlik met u verbind?
S. K.: In hierdie sin is ek 'n ou-skool persoon, waardeer ek basiese vaardighede in die handwerk. Dit lyk vir my asof die manier waarop argitektuur gemaak word, nie verander het nie en nie moet verander nie: 'n persoon moet gedagtes, gewaarwordinge, gevoelens deur homself deurgee - 'n rekenaar kan nie alles uitdruk nie. Ek was diep en ernstig lief vir rekenaargrafika, ek het baie publikasies en uitstallings gehad, dit gee my die geleentheid om werk met my hande en oë te vergelyk - en met 'n rekenaar te werk. As u beheer oor u hand het en met u eie hande kan uitbeeld wat in u kop is, help dit u persoonlik en werk dit ook goed as 'n oortuigingsinstrument.
Waarom wys u nie sketsgrafieke nie?
S. K.: In hierdie geval sou dit nie gepas wees nie … Dit is nie 'n bewuste posisie nie; daar sal voorstelle wees - ons sal uitstal. Oor die algemeen is dit nie waar nie, ons vertoon dit - op die tentoonstelling van die "argitek van die jaar" op Arch Moscow het ons 'n sketstekening gehad. Ons het baie goeie kwaliteit sketse. Die handskrifte sal volgens my eenvoudig nie vir die gehoor van belang wees nie. Oor die algemeen sou ek sê dat die belangstelling van die gehoor in enige werk direk eweredig is aan die hoeveelheid werk wat daarin belê word.
Hoe het u historiese argitektuur begin teken?
S. K.: Ek het begin teken lank voordat ek die universiteit betree het. My ouers was geensins verbonde aan kuns of argitektuur nie, maar ek was meegevoer deur 'n verskeidenheid kreatiwiteit, prototipering, tekeninge, en daarom het ek voorbereidende kursusse by die Moskou-argitektuurinstituut gekry. Sedertdien het ek nog nie opgehou skilder nie; hoewel daar na die instituut 'n pouse was toe ek nie meer besig was met handleiding nie, maar met rekenaargrafika.
Later, toe ek met Sergei Tchoban begin werk het, êrens in 2006, het ek voorgestel dat hy na verskillende stede reis en argitektuur teken. Sedertdien reis ons gereeld 'n paar keer per jaar om argitektuur te verf. Ons eerste reis na die buitelug in Rome was byvoorbeeld in die voetspore van Piranesi.
Mikhail Filippov
Hoe verskil u grafika van die historiese wat hier by die uitstalling aangebied word?
M. F.: Ek kan nie so 'n vraag beantwoord nie. Ek kan jou vertel hoe argitektuurgrafika verskil van 'n argitektoniese landskap. Ek is 30 jaar lid van die Union of Artists en het op baie plekke as kunstenaar uitgestal, waaronder die Tretyakov-galery en die Russiese museum. Vir my is hierdie vraag absoluut duidelik. Die argitektoniese landskap waarmee ons voorouers besig was, is eerstens 'n hoë kwaliteit teken en organisering van die blad met 'n artistieke benadering. Ongelukkig skilder die meeste argitekte hul gunsteling voorwerp as 'n klein perspektief, en nie as 'n landskap nie.
In Sowjet-tye het ek selfs onder die kontrakte van die Academy of Arts gewerk as 'n suiwer landskapskilder. Tydens die perestroika het die Seroviete daar aan bewind gekom - die meeste van hulle is goeie kunstenaars, realiste, Gritsai, Reshetnikov, Nalbandian … Sterk, tegniese grafika was ook daar.
Die res van die Sowjet-grafika het ontwikkel in die rigting van die modernistiese organisasie van die blad: as die water byvoorbeeld lig is, word dit heeltemal wit geskryf, ensovoorts. Toe ek begin skryf, het ek meer gedink aan nuanses, intermediêre toon; skakerings van wit nag, kwaliteit van die tekening, subtiliteite van perspektief … Dit het my op daardie stadium nogal uniek gemaak, hierdie ou mense was baie lief vir my. Ek het onder kontrakte gewerk, dit kom wys, hulle het kommentaar gelewer - dit het gevoel asof die meesters my dopgehou het.
Ek voel dus nie veel van die verskil met die ou meesters nie. As hulle nie 'n tegniese tekening gemaak het nie, maar 'n landskap. Die benadering tot die landskap was soos 'n kunstenaar. Die argitektoniese fakulteit van die Akademie vir Lettere het destyds diegene gehuur wat beter teken en die skildery - diegene wat slegter teken. En hulle het 'n diploma onder die naam "kunstenaar van argitektuur" gegee - dit is geformuleer totdat sommige, ek kan nie presies onthou nie, 'n jaar. Ek voel geen verskil met hulle nie, veral nie wat werke van die begin van die eeu betref nie. Ek is grootgemaak met die werke van Ostroumova-Lebedeva.
Alhoewel vir my 'n ander nuanse interessant is - die wit nag. Die Russiese landskap is genuanseer in tussenlande. Byvoorbeeld, Vasiliev - ontdooi, geen winter, geen lente, geen lig, geen donkerte, halftoon, 'n sonstraal … U sal nie landskappe van hoë gehalte in die wêreldskilderkuns vind nie, waarin daar 'n helderblou kleur sal wees lug en helder groen! Miskien het Rylov miskien so iets, of Cezanne, maar dit is al anders.
Dit blyk dat u twee temas het: u argitektoniese landskap en u argitektuur …
M. F.: Nie! Daar is geen verskil nie. Pragtige argitektuur moet geassosieer word met die natuur, met die son. Ek ken en is baie lief vir kunsgeskiedenis. In die 1980's was dit vir my interessant om voort te gaan met wat in die twintigerjare kortgeknip is, toe skilderkuns op een of ander manier begin verander het in - miskien baie hoogstaande - maar modernisme.
Dink u dit is regtig om saam te groei?
M. F.: Ja, dit is 'n absolute werklikheid. In Januarie vanjaar het ek dit oorhandig - woude is verwyder van 750 duisend vierkante meter residensiële geboue.
In Sotsji?
M. F.: Nie net in Sotsji nie, in Moskou is daar 'n huis in die Marshal Rybalkostraat. Ek kan u verseker, dit is die verpersoonliking van die 2001-styl waarmee ek dertig jaar gelede vorendag gekom het.
Voel u dit as die verpersoonliking van u skildery?
M. F.: Ja, ja … ek sien nie die verskil nie.
Glo dit of nie, ek studeer aan die Akademie, kom met 'n konsep en daarna neem ek vir die eerste keer 'n kwas en waterverf. Ek het nie aan die Akademie of aan die kunsskool geskryf nie. En as ek geskryf het, is dit onmoontlik om te kyk wat ek toe gedoen het.
*** die uitstalling is oop tot 27 Julie (ure)
