Op 'n perskonferensie voor die opening van die Biënnale het die president, Paolo Barrata, die kurator Aaron Betsky baie geprys vir die voorstel van die moeilik verstaanbare leuse 'Daar buite' vir die argitektuuruitstalling wat nou in Venesië plaasvind - die mees verteenwoordigende argitektuur uitstalling in die wêreld. Argitektuur buite gebou '. Volgens Barrata is hierdie onderwerp veelsydig, betekenisvol en vrugbaar. Dit lok kreatiewe soektogte uit en daarom is die huidige argitektoniese biënnale miskien die beste in die afgelope tien jaar. Die kurator Aaron Betsky het die kompliment gunstig aanvaar - waarna hy lank die vrae van joernaliste moes beantwoord en verduidelik dat hy eintlik van geboue hou en nie van plan is om die argitektoniese biënnale in 'n tak van die Biënnale van Kontemporêre Kuns te omskep nie, en ook dat hy glad nie utopies is nie, nie in die wolke sweef nie en drome waar word.
Dit lyk dus asof die onderwerp wat Betsky in terme van dubbelsinnigheid gestel het, alle vorige uitstallings oortref het. Verder kan dit op verskillende maniere vertaal word - óf 'buite', óf 'voor', óf 'oor'. 'N Ander woord' anderkant ', wat nou oral in Venesië geplak is (veral baie in die Italiaanse paviljoen) word vertaal as' hiernamaals '. Dit weerspieël onverwags die feit dat die kurator van die Biënnale geboue omskryf het as "grafkelders van argitektuur" - volgens sy mening is argitektuur 'n manier om oor geboue te dink en wanneer dit gebou word, sterf dit. In Venesië, 'n museumstad wat stil onder die water wegsak, klink dit veral rustig en wil jy graag die Russiese stad Kitezh onthou.
Die kurator se taak moet egter presies die teendeel verstaan word - hy wou natuurlik nie argitektuur doodmaak nie, maar om dit (en die uitstalling) op die gewone manier te laat herleef - deur buite die raamwerk van die argitektoniese wêreld self te gaan. op soek na vernuwing. Aaron Betsky het deelnemers aan die Biënnale aangemoedig om te eksperimenteer en hulle toegespits op die gebied van teater, kuns, ontwerp, landskapargitektuur en uitvoering. Eksperimente kan volgens hom die vorm aanneem van tydelike strukture, sowel as beelde wat 'soms onduidelik' is.
Dit lyk asof dit 'n belangrike deel van Betsky se konsep is. Onsekerheid is chaos, en uit chaos is daar veronderstel om iets nuuts gebore te word. Gestel die hoofdroom van elke kritikus en teoretikus is nie net om die waargenome proses te beskryf nie, maar ook om dit te beïnvloed. As dit gebeur, kom daar baie kragtige, teoretiese gegronde tendense in kuns na vore. As ons terugkeer na argitektuur, is dit maklik om op te let dat daar na die entoesiasme vir die opkoms van nie-lineêre argitektuur die afgelope paar jaar niks spesiaals daarin gebeur het nie, en stagnasie word uiteengesit. Die Biënnale is die invloedrykste argitektoniese tentoonstelling, en dit is nie verbasend dat Betsky met sy hulp sy poging aangewend het om die moderne argitektuur 'wakker te maak' om chaos te skep waaruit na verwagting iets nuuts te voorskyn kom nie. Chaos kan egter anders wees - produktief en vernietigend, chaos van generasie en vernietiging (soms ontwikkel die een egter in 'n ander). Chaos kan ook natuurlik wees, afkomstig van natuurlike oorsake, en soms is dit kunsmatig, en dit lyk asof die chaos wat die kurator op sy Biënnale probeer skep het, net kunsmatig is. Maar of hy produktief is of nie - dit sal net met tyd moontlik wees om te verstaan. As daar oor tien jaar na hierdie Biënnale as 'n mylpaal verwys word - dan was die idee ongetwyfeld 'n sukses. Indien nie, het dit misluk.
Intussen kan ons net deur emosies gelei word. Die Italiaanse paviljoen, volledig toegewy aan eksperimentele argitektuur, gee die indruk van 'n saai chaos. Daar is baie uiteensettings (55), versadig met tekste en klein prentjies, wat af en toe afgewissel word met modelle en installasies - dit alles saamgevoeg in 'n massa wat moeilik is vir persepsie ook omdat die tekste plek-plek baie geheimsinnig is - blykbaar vir die ter wille van die bereiking van die baie "soms onduidelikhede." Om die diversiteit van jeugeksperimente te verdun, asook om aan te toon hoe presies 'n mens moet eksperimenteer, is die sale van eerbiedwaardige 'sterre' met die ondertitel 'Experiment Masters' geplaas. In een daarvan is 'n skildery van Zaha Hadid, wat baie ooreenstem met die avant-garde van die twintigerjare, maar net 'n bietjie meer sierlik en dus mooier - hoewel 'n mat op die een of ander manier volgens haar motiewe gemaak word. lyk te gepas op die vloer. In die ander is daar doodles van Frank Gehry, wat vanjaar die Goue Leeu ontvang het vir sy "lewensbydrae". Doodles - vertaal as "krabbels", dit wat onwillekeurig geteken word, maar in hierdie geval ook dit wat gevorm, gevou, verfrommel is met verskillende mate van onwillekeurigheid - prototipes van Gehry se argitektuur - wat dus uit doodles gebore word. Maar die opvallendste van alles is die installasie deur Herzog & De Meuron, gemaak in samewerking met die Chinese kunstenaar Ai Weiwei: die ruim saal by die ingang van die paviljoen word geheel en al bewoon deur 'n struktuur van lang bamboespale waaraan bamboes geheg is. stoele, en hang dus in die lug. Dit was nogal lugtig en baie geheimsinnig.
Die uiteensetting in die Arsenal, waar Betsky installasies geplaas het van die bekendes wat hy genooi het, skep 'n gevoel van chaos, glad nie vervelig nie, maar kragtig, baie ekspressief, somber en skrikwekkend. Miskien is dit omdat die Corderi-ruimte self groot en donker is, die dik ronde kolomme lyk soos 'n romaanse romaanse katedraal, maar Corderi is langer as die katedraal, en die verandering van sale op 'n stadium lyk eindeloos. En die installasies is groot, hulle word op groot skaal in hierdie ruimte ingeskryf, met die skaal en omvang daarvan. Die "sterre" is nie verniet genooi nie, elkeen het professioneel gewerk, die installasies is solied, herkenbaar en helder - Corderi het in 'n reeks beelde verander - in 'n uitstallingsattraksie. Dit is goed vir die uitstalling, maar nie baie goed vir die kurator se bedoeling nie, want onder die manifeste van die huidige Biënnale het die gedagte opgegaan dat argitektuur-aantrekkingskrag nie baie goed is nie, en argitektuur moet nadink oor hoe om ons te laat voel dat ons in hierdie wêreld "soos tuis". Hierdie idee - oor 'tuiswees', word baie keer in Betsky se tekste herhaal en blyk een van die belangrikste te wees. Maar ster-installasies wek geensins 'gevoelens van huis' op nie, maar wek eerder angs.
'N Ander probleem is erkenning. In die Arsenal het die sterre nie geëksperimenteer op soek na vae beelde van iets nuuts of anders nie, maar inteendeel - elkeen het getoon dat hy kan. Die beelde is miskien êrens vaag, maar die betekenis daarvan lyk op een of ander manier dieselfde - dit alles is 'n samevatting van kreatiewe konsepte, die resultaat, nie die begin nie, die verlede, nie die toekoms nie. Frank Gehry is baie herkenbaar: hy het 'n fragment van die gevel, soortgelyk aan Bilbao, uit hout en klei gebou. Konkawe oppervlaktes word geleidelik met klei bedek, dit droog en skeur. Dit word stadig gedoen, teen die einde van die Biënnale in November sal die hele "gevel" met klei bedek wees: dit is hoe die installasie funksionele funksies het, wat dinamies is, maar die voorkoms word steeds teruggedraai - kyk na hierdie opvoering, jy onthou Bilbao en dit lyk alles groot en 'n skouspelagtige uitstalling wat ontwerp is om die mees sigbare stuk van Gehry se portefeulje te vertoon. Dieselfde gebeur met Zaha Hadid - sy het haar volgende vloeibare vorm in die Arsenal geïnstalleer, waaroor in die verklaring staan dat sy die prototipe van meubels is. Maar Zaha Hadid ontwerp al lank sulke onwaarskynlike meubels.'N Soortgelyke voorwerp is geïnstalleer deur Zaha in die Villa Foscari ter ere van die 500-jarige bestaan van Andrea Palladio; maar wat is interessant - binne die Palladio of in die Arsenal - baie soortgelyke dinge, so wat is die punt? Greg Lynn het 'n bietjie humor bygevoeg - ook meubels gemaak, maar van 'herwonne speelgoed'. Die speelgoed blyk helder beeldhouwerke te wees, wat, moet ek sê, die minste ruimte in beslag geneem het - daarvoor bekroon die jurie die 'Golden Lion'.
Benewens bogenoemde, is daar baie indrukwekkende beelde in die Arsenal. Die kantagtige spinnerakinstallasie deur Matthew Ritchie en Aranda Lush "Evening Line" lyk pragtig. Dit bestaan geheel en al uit versiering - deels uit metaal gekerf, deels uit skaduwees en videoprojeksie, in 'n metaalpatroon op die muur aangebring. Wat dit beteken, is onduidelik (wat was die doel?), Maar dit lyk aanloklik en relevant - nou hou argitekte van ornamente. Unstudio het 'n lywige voorwerp in grootte van 'n klein vertrek in Corderi geplaas, gebuig soos 'n Mobius-strook - hierdie voorwerp is opmerklik omdat dit binne-in ingevoer kan word. Inteendeel, die voorwerp van die Fuchsas-familie word deur 'n geel streep aangedui, wat aanbeveel word om nie oor te steek nie (wat niemand waarneem nie): dit is twee reusegroen bakkies met klein vensters waardeur u alledaagse tonele in stereo kan sien teaterformaat. The Dealer en Scorfidio het hulle baie maklik gedra - hul installasie vergelyk die video's met twee Venesië - 'n ware en 'n speelding-Amerikaner uit Las Vegas. Dit is onduidelik hoe dit die Betsky-tema openbaar, maar in Venesië lyk dit goed en word die stoele voortdurend beset. Barkow Leibinger het 'n "nomadiese tuin" gebou uit lasergesnyde metaalpype - as gevolg van die homogeniteit van die materiaal en die eenvoud van die oplossing, is dit myns insiens een van die opvallende installasies van die Arsenal. Maar Philip Rahm vestig die aandag op sy installasie deur die feit dat daar in die eerste dae van die uitstalling (ek weet nie hoe later nie) twee naakte mense daar lê, en langs hulle speel vier hip-geklede mense 'n soort kitaarmusiek: die projek is gewy aan aardverwarming, maar hier volg die volgende? Uit naaktheid?
Die deel van die tentoonstelling, wat ontwerp is om te reageer op die oproep van die kurator, bestaan uit 55 klein tentoonstellings in die Italiaanse paviljoen en 23 groot installasies in die Arsenal. Altesaam dra hulle by tot 'n poging om argitekte wakker te maak - van kommersiële praktyk tot 'papiere' fantasieë - ter wille van vernuwing, 'n wending in die algemeen, die geboorte van iets nuuts. Die paviljoen van Italië verteenwoordig volgens die kurator sowel die verlede as die toekoms van hierdie proses: jeuguitstallings - hoop vir die toekoms, retrospektiewe tentoonstellings van meesters - 'n soort handboek oor hoe om te eksperimenteer. Dit alles word aangevul deur Bezki se artikel oor die geskiedenis van die na-oorlogse modernistiese eksperimentering - die oorsprong daarvan spoor die kurator na die politieke krisis van 1968 en die energiekrisis van 1973. Becki noem name, bou 'n verhaal en nooi jong argitekte om dit voort te sit. Die Arsenal-uiteensetting daarenteen doen dieselfde beroep op eerbiedwaardige meesters - in teorie moet die hele argitektoniese gemeenskap as gevolg daarvan betrek word by die proses om 'krabbels' te skep - waaruit 'n nuwe uitbarsting van gedagtes, 'n nuwe wending, sou daarna plaasvind. So, wat gaan aan? Die jeuguitstalling blyk vlak en oorversadig te wees (alhoewel, indien gewenst, interessante dinge daarin kan sien) - en die "ster", in plaas van dinamiek en nuutheid, het die "sterre" se eie tegnieke weergegee. Die impuls om kreatiewe chaos kunsmatig in die argitektuur in te spuit, blyk te misluk. Miskien omdat dit kunsmatig is? Alhoewel - soos reeds gesê - eers na tien jaar finaal sal blyk of hierdie poging ten minste vrugte afgewerp het en of dit tot 'n wending gelei het. As dit na die blootstelling kyk, lyk dit onwaarskynlik.
Maar hier is die vreemde ding. Dit is onduidelik of Betsky die argitekte wakker gemaak het. Maar die natuurkragte, moet 'n mens dink, wakker geword. Dit was maklik om op te let dat die openingseremonie van die Biënnale, waarvan die kurator in sy manifes gesê het dat dit nie die belangrikste ding in ons wêreld is om onsself teen reën te beskerm nie, op so 'n stortreën geval het wat selde in Venesië gebeur. As gevolg van hierdie reën moes die opening van die Giardini na die Arsenal geskuif word - en 'n skare nat en bevrore joernaliste het voor die ingang gestaan. Maar dit sou nog steeds niks wees nie. Die kurator van die huidige Biënnale het blykbaar nie net reën nie, maar ook die krisis geminag, terwyl hy argumenteer oor die belangrikheid van ekonomiese en ander probleme vir die ontwikkeling van konseptuele denke. Die krisis is voor die hand liggend. Ons wag op eksperimente.
Plantkundiges en nomades
Terwyl die kurator Aaron Betsky sy verwarde onderwerp vir die publiek en die deelnemers aan die Biënnale vertolk, praat hy hoofsaaklik apofaties, dit wil sê, andersom. Nie 'n gebou nie, want dit is 'n graf van menslike hoop en natuurlike hulpbronne, nie 'n utopie of 'n abstrakte oplossing vir sosiale probleme nie - maar beelde en raaisels om van te droom. Hy het gevra om verder te gaan as bou en argitektuur as dissipline - en te eksperimenteer. Maar hy het nie presies gesê waarheen hy moes gaan nie, en die raaiselagtige raaisel behou.
Almal het op verskillende maniere op hierdie raaisel gereageer, met teater, ontwerp en meubels. Baie kritici beskou die Architecture Biennale te soortgelyk aan die Biennale of Contemporary Art en verloor dus sy professionele spesifisiteit. Nadat u buite die raamwerk gegaan het, kan u nie net wins maak nie, maar ook verloor - dit is oor die algemeen 'n opwindende, maar ook gevaarlike beroep - om grense oor te steek.
Die mees voor die hand liggende manier om op die onderwerp te reageer, blyk egter die eenvoudigste te wees: verlaat die gebou. Dit sou nuuskierig wees as die uitstallingsale hoegenaamd leeg gelaat word en die tentoonstellings buite gebreek word, maar die Biënnale bereik steeds nie so 'n mate van letterlikheid nie. Wat die ontsnapping van die argitektuur na die natuur en die konstruksie daar buite, van verskillende "tydelike strukture" betref, kon die argitekte egter na die ryk ervaring van die Sowjet-somerbewoners wend - hulle het ook gevlug vir die agteruitgang van die modernisme en nadat hulle ontsnap het 'n groentetuin op.
Die grootste groentetuin op die Biënnale is deur die Gustafsons gebou. 'N Deel van die lianas-bedekte wilde plantegroei van die Garden of the Virgins, geleë aan die rand van die Arsenal, op die terrein van 'n verwoeste Benediktynse klooster - is verbou deur die Brits-Amerikaanse projek "through Paradise" (in die rigting van die paradys). Kool, uie en dille (simbole van versadiging) word afgewissel met blomme, in die middel van die komposisie is daar 'n heuwel wat krom soos 'n slak, bedek met netjiese gras. Die krukslak is bedoel as 'n plek om te aanskou, met sitkussings daarop, maar op 'n reënerige dag van opening het net wit balle oor die heuwelagtige grasperk gesweef. Verder, in die ou kapel (of kerk?) Word kerse op die planke langs die mure geplaas, en die Latynse name van verdwynde diere en plante word op die mure geskryf (daar is 'n hele paar). Daar moet toegegee word dat hierdie landskapprojek die mees ambisieuse op die Biënnale is. Ter wille van hom het hulle selfs verskeie ou bome afgekap, wat nie welkom is in Venesië nie.
Terloops, die tema van die Paradys pas goed in die kuratoriese 'daarbuite' en 'daarbuite' - daar is niks anders as die Paradys nie. Dit word op sy eie manier in die Duitse paviljoen onthul: appels groei op takke wat in potte vassit, druppels met groen vloeistof word aan die takke geheg. Of die vrugte self op dun steggies gegroei het en hoe dit bereik is, word nie verklaar nie, maar die simboliese uiteensetting gaan gepaard met die argument dat mense, probeer om 'n paradys op aarde vir hulself te skep, hele ekosisteme vernietig ter wille van hierdie tegnogeniese paradys.. Appels onder droppers moet waarskynlik 'n paradys deur die mens wees.
Die paviljoen van Japan word omring deur blomme, geleë in kortstondige strukture wat lyk soos die buitelyne van torings verweef met groen. Dit is skemas van geboue met meerdere verdiepings wat deur plantegroei bewoon word - dit word ook met potlood in die paviljoen op die mure uitgebeeld. Behalwe vir tekeninge, is daar niks anders in die paviljoen nie - dit is heeltemal wit, soos 'n soort papiervel wat in die binnekant kantel. Baie mense het op 'n sintetiese manier van hierdie lakoniese en kontemplatiewe paviljoen gehou.
Die Amerikaanse groentetuin is kleiner en nie so diep nie, maar sosiaal - dit is veral gewy aan die grootmaak van kinders deur tuinbou (hierdie soort onderwys word nou in baie kloosters in ons land toegepas). Die Amerikaners het die keiserlike dorica van die gevel agter 'n deurskynende gaas weggesteek, 'n groentetuin voor die kolonnade opgerig en die paviljoen gevul met allerhande sosiale projekte. 'N Baie ernstige en diverse' ekotopedia ', 'n ensiklopedie van omgewingsprobleme, word in die Deense paviljoen ontplooi.
Die omgewingstema is ook gewild onder eksperimentele projekte in die Italiaanse paviljoen. Die idees is egter meestal bekend: groen stede, waar daar 'n bos is, en tegnologie en beskawing "op die tweede vlak" en groen wolkekrabbers, waarvan een veral opvallend is - Julien de Smedta, 'n projek wat vir die Chinese bedoel is stad Shenzhen, geleë op die vasteland oorkant Hong Kong. Dit is 'n reusagtige wolkekrabber, bewoon deur mense en groen, wat volgens die outeurs die bosagtige berge wat in hierdie gebied verdwyn het, moet vervang en 'n groot mensgemaakte berg word. Maak nie saak wat die wyse van Cincinnati sê oor die voordele van vae inspirasies nie, 'n werklike projek lyk baie voordelig teen hul agtergrond.
'N Ander manier om "uit die gebou" te ontsnap, is om na die hut te gaan. Vreemd genoeg is hy nie baie gewild nie, maar hy is naby ons in die gees. Die belangrikste 'hut' in die vorm van 'n yurt is deur Totan Kuzembaev op die wal van die Arsenal gebou en in 'n klein motor geplaas. Die punt is om die nomadiese bykomstighede van twee kulture - oud en modern - te kombineer. Vanuit die moderne beskawing is daar binne die yurt verskillende tegniese toebehore, selfone, skootrekenaars, ensovoorts, wat nie vir die doel gebruik word nie, maar as eienskappe van 'n sjamaan. Om in die moderne wêreld te oorleef - skryf Totan Kuzembaev in die verklaring aan "Nomad", moet u aanpas. En dan sal daar iets nuuts ontstaan, of globalisme sal alles insluk, wat hartseer sal wees - sluit hy af.
Aan die ander kant, tussen die Arsenal en die Gustafson-paradys, het Chinese argitekte verskeie huise gebou - gemaak van bokse, laaghout, hardebord - huise is groot, drie verdiepings, maar binne is dit ongemaklik en beknop, soos in 'n trein. Die pergola-hut wat deur Nikolai Polissky op die terras van die Russiese paviljoen gebou is, pas ook in dieselfde ry - 'n pragtige struktuur, maar helaas nie baie opvallend nie, omdat dit aan die kant van die strandmeer geleë is.
Daar is ook 'n meer abstrakte manier van vertrek - byvoorbeeld van vorm tot klank en video. Hier is 'n pragtige en heeltemal onargitektoniese paviljoen van Griekeland, bestaande uit interaktiewe voetstukke met monitors en koptelefoon met die geluide van die stad. Dit is donker met gloeiende plastiekdrade wat hang.
En uiteindelik kan u wegkom van argitektuur deur die paviljoen leeg te maak - dit is gedoen in die paviljoen in België, waar kleurvolle konfetti op die vloer versprei is ("After the Party"), of in Tsjeggo-Slowakye, waar daar snaakse yskaste met kos is. stelle vir verskillende karakters.
Die meeste deelnemers het die onderwerp ywerig geïnterpreteer, maar daar is ook skrikwekkers - diegene wat, anders as die leuse, die geboue steeds gewys het. Nasionale paviljoene hoef immers nie die tema te volg nie. Groot is die Britse paviljoen, waar 'n duur, noukeurig ontwerpte tentoonstelling gewy is aan vyf argitekte wat behuising in Britse stede bou. Dit blyk dat daar nou al minder behuising in Brittanje - die tuisland van die tuinstad en nuwe soorte wonings aan die begin van die 20ste eeu - gebou word. Die paviljoen van Frankryk is gevul met baie modelle: elkeen van hulle word in 'n deursigtige plastiekdoos geplaas en met 'n beweegbare konsole aan die muur vasgemaak - u kan die modelle draai terwyl u daarna kyk. Die argitektuur van Spanje word ook breedvoerig en tradisioneel vertoon - met prente en modelle. Vir die eerste keer in baie jare bevat hierdie ry die Russiese paviljoen, waaroor - 'n bietjie later.
Russe in Venesië
Dit het so gebeur dat joernaliste onder die mense met wie ek in Venesië kon praat, Aaron Betsky se konsep meestal positief beoordeel het, terwyl argitekte meestal negatief was. Daar is natuurlik uitsonderings, maar oor die algemeen is dit vanselfsprekend - argitekte kom na Venesië om na argitektuur te kyk, en die byna algehele afwesigheid daarvan was nie die aangenaamste verrassing vir hulle nie.
In die Russiese paviljoen het alles andersom gebeur: nie vae provinsies word getoon nie, maar geboue, baie geboue. Voorheen, toe projekte en verwesenlikings by die Biënnale uitgestal is, is installasies in die Russiese paviljoen gereël, en nou, toe uiteindelik besluit is om werklike argitektuur aan te toon, het Aaron Betsky presies die teenoorgestelde 'taak' geformuleer. Die tema is egter nie verpligtend vir die nasionale paviljoen nie … Sou ons die idee vir die eerste keer weggegooi het om 'n stukkie regte Russiese argitektuur te wys en aan te pas by die leuse? Moeilik om te sê. Maar, streng gesproke, is dit vanselfsprekend dat die tema wat Betsky vir die Biënnale gestel het, ooreenstem met die situasie van 'n sekere verveling en versadiging met 'sterre' wat in die argitektuur van die wêreld ontwikkel het. En die tema, ingestel deur die kurator van die Russiese paviljoen, Grigory Revzin, stem ooreen met die situasie van die konstruksie-oplewing in Rusland. En die uitstalling verteenwoordig 'n momentopname van die Russiese argitektuur van vandag. Met inbegrip van die variëteit en menigte kenmerke daarvan, die aktiewe, lewensbelangrike en nie baie beheerde groei van verskillende geboue nie.
Die uitstalling bestaan uit twee dele. Die boonste verdieping word deur moderne projekte en geboue beset - dit het drie sale, een hoof en twee bykomende. Die ontwerpers Vlad Savinkin en Vladimir Kuzmin besluit hulle in drie verskillende kleure: die eerste saal, wat die elektroniese katalogus vertoon, is wit, die derde saal - dit bevat ontwikkelaars, is swart en die hoofsaal is rooi. Die vloer is gevoer met skaakselle, die rooi is die geboue van Russiese argitekte, die wit is die modelle wat volgens die ontwerpe van buitelanders in Rusland gebou is. Volgens die idee van die kurator vind daar tussen die modelle van Russe en buitelanders 'n voorwaardelike skaakspel plaas wat die tema van kompetisie tussen 'plaaslike' en 'uitheemse' argitekte beklemtoon.
Die tweede deel van die tentoonstelling is die houtstrukture van Nikolai Polissky, nog nie argitektuur nie, maar, soos gedefinieer deur die kurator van die Russiese paviljoen Grigory Revzin, 'n uitdrukking van die droom van die Russiese landskap. Polissky se werke deurdring die Russiese paviljoen - in die saal op die eerste verdieping vorm dit 'n bos wat deur ligkolle verdun word. Op dieselfde plek, in die volgende saal, word die belangrikste werke van Polissky vertoon en - video's - die proses van skepping deur die kragte van 'n goed gekoördineerde span inwoners van die dorp Nikolo-Lenivets. Op die eerste verdieping groei die strukture van Polissky steeds oral - in die vorm van 'n geïmproviseerde boog voor die ingang, pergola's op die terras (sogenaamde 'buite gebou') en selfs die pote aan die tafel in die ontwikkelaarsaal is van dieselfde krom stamme gemaak.
Daar moet toegegee word dat die ontwerpe van Nikolai Polissky sterk verskil van ander landskapprojekte van die Biënnale, en nie net deur die feit dat dit die paradys-tema van 'n tuintuin heeltemal ontbreek nie, en dat die materiaal wild, natuurlik is, skaars skoongemaak word. Hulle is baie nader aan die natuur as ekologiese projekte, wat eintlik in 'n groter mate tot die wêreld van tegnologie behoort. Polissky se 'bos' is 'n bietjie wild en eng, hoewel daar geen skaal in die paviljoen is nie - daar is nêrens om om te draai nie. Maar u moet verstaan dat dit 'n 'uitvoer' bos is, 'n kabouter op toer. In Nikolo-Lenivets is die landskapprojekte van Polissky groter en belangriker.
Vanjaar het die Russe aan al die hoofdele van die Biënnale deelgeneem. Totan Kuzembaev, wat onlangs die tweede plek in die kompetisie vir 'n brug oor die Venesiese Grand Canal behaal het, is deur Aaron Betsky uitgenooi om deel te neem aan die kuratoriële uiteensetting van die Arsenal en die genoemde yurt op die straat voor hom gebou. Boris Bernasconi, wat onlangs die eerste plek in die internasionale kompetisie vir die Perm Art Museum met Valerio Olgiati gedeel het, is uitgenooi om die uitstalling in die Italiaanse paviljoen saam te stel - en het hierdie uitnodiging gebruik om te veg teen die Orange-projek van Norman Foster. Ek moet sê dat Aaron Betsky op sy perskonferensie afsonderlik Bernasconi se projek genoem het en dit baie geprys het in die sin dat die jong argitek dit gewaag het om teen Foster self te betoog.
Nadat ons in Venesië aangekom het, het die Kraamhospitaal-uitstalling (saamgestel deur Yuri Avvakumov en Yuri Grigoryan) 'n baie mooi projek geword. Die tentoonstelling is vir die eerste keer in Moskou in die VKHUTEMAS-galery, daarna in Sint Petersburg, vertoon. Ek moet sê dat die uitstalling, wat 'n jaar tevore uitgevind is, op die Biënnale baie nuttig blyk te wees: dit bestaan uit beeldhoukundige embrio's van argitektuur, interpretasies van die tema van geboorte, vervaardig deur argitekte, onder wie daar baie Russe is., maar baie buitelanders. Ek sou dit selfs waag om voor te stel dat hier Betsky se hoofgedagte, indien nie meer presies nie, dan kernvoller tot uitdrukking kom as in die Arsenal. Die tentoonstelling is gehuisves in die Venetiaanse kerk van San Stae en het aansienlik verander: al die uitstallings is in die selle binne die mure van 'n kartonhuis met geperforeerde mure geplaas. Hierdie gebou word vergelyk met 'n kerklike relikwie en terselfdertyd 'n kersttoneel. Die evolusie van die uitstalling blyk baie logies te wees. Boonop blyk dit dat Venesië hier 'n rol gespeel het - 'n stad waarin byna elke muur 'n ikoonkas met 'n beeldhoukundige ikoon dra. Van wat die stad blyk te wees as 'n geheel ingewy - 'n eienskap wat al deur ander Europese stede verlore gegaan het - en selfs die wrede "Kraamhospitaal" hier word 'n kersfees-toneel. Venesië is 'n wonderlike stad.
