Die Biënnale is moeg om deur kritici, teoretici en ander bykans argitektoniese mense saamgestel te word, en die Biënnale tien jaar nadat Massimiliano Fuksas homself weer in die hande van 'n argitek toevertrou het. Kazuyo Sejima is 'n beroemde Japannese argitek, een van die stigters van die argitektoniese buro SANAA, die skrywer van die geboue van verskeie groot museums, waaronder die New Museum in New York, sowel as die Serpentine Gallery Pavilion 2009, wenner van die 2004 Golden Lion, wat die Pritzker-prys kort ná haar aanstelling as kurator van die Biënnale ontvang het. Sy is ook die eerste vroulike kurator in die geskiedenis van die uitstalling. Volgens die direkteur van die biënnale, Paolo Baratta, is die belangrikste ding dat sy 'n praktiserende argitek is. Sejima eggo dit in sy kuratoriese boodskap, wat begin met "Die Biënnale van 2010 sal 'n besinning oor argitektuur wees."
In teenstelling met die vreemde leuse 'verder bou' van sy voorganger, kurator Aaron Betsky in 2008, wat die helfte van die deelnemers nie regtig kon verstaan nie, en die ander helfte geïgnoreer het, het Kazuyo Sejima vanjaar 'n eenvoudige en toeganklike slagspreuk voorgestel: "People meet in argitektuur "wat nie besonder bindend is nie. Dit is voor die hand liggend dat twee dinge daarin verenig is - argitektuur, waarna die Biënnale blykbaar ernstig van plan is om terug te keer, en vir die verandering 'n soort subtiele sosiologiese noot vir argitektuur. Dit is tog onmoontlik om die hoofonderwerp van die uitstalling heeltemal te verabsoluteer; daar moet iets bygevoeg word. Argitektuur vir iets, maar hulle bou byvoorbeeld sodat mense daar ontmoet. Van hier af is 'n direkte pad na die openbare geboue wat die kurator se portefeulje so goed versier. Benewens die leuse, het Sejima verskeie addisionele betekenisse uiteengesit: die fokus van die uitstalling is die reaksie van moderne argitektuur op die veranderinge wat die 21ste eeu teweeggebring het, op informatisering en globalisering; die grense wat argitektuur aandui of uitwis; en die kwaliteit van die geboude argitektuur - voeg Paolo Baratta in sy boodskap by. Na 'n lang soeke na waarheid "aan die kant", gaan die belangrikste argitektoniese tentoonstelling van die wêreld (en die Biënnale in Venesië natuurlik so is) weer terugkeer na sy hoofonderwerp, gelei deur 'n sagte en onopsigtelike vrouhand.. Die kuratoriële uitstalling het altesaam 48 deelnemers, insluitend argitekte, maar ook ingenieursfirmas.
Oor die hoofkuratoriese uiteensetting, wat op die Biënnale altyd in die Corderie Arsenal-gebou gehou word, het Sejima die vryheid van die deelnemers verklaar en in die manifes gesê dat elke deelnemer 'sy eie kurator' sal wees binne die 'onafhanklike' fragment van die arsenaal. binneland aan hom toegewys. Diversiteit is beter as die wil van mekaar, sê die kurator; in 'n woord, doen wat jy wil … Volledige vryheid; alhoewel u deur die uitstalling loop, verstaan u dat dit nie heeltemal waar is nie.
'N Besoeker wat die eerste saal van die kuratoriese deel van die Biënnale binnekom, word begroet deur 'n reuse-kliphart wat deur 'n houtbyl gesny word - die byl blyk by nadere ondersoek 'n toevlug te wees met 'n skoorsteen wat opgaan, 'n metafoor vir die tragedie van die onlangse Chileense aardbewing ('n gedetailleerde verhaal oor herstel na die ramp kan verder gevind word oor die ruimte-uiteensetting van Arsenal van die Chileense paviljoen). Twee jaar gelede is die Arsenal-tentoonstelling geopen deur 'n snaakse film- en video-installasie; In teenstelling met die herinnering aan haar, is die hart van klip baie groot, grof en ernstig. Dit is 'n soort reusagtige voorwerp, daarnaas voel jy soos in 'n kannibaal se grot en stel dit onvermydelik ernstig in. Die pilare van die Arsenal begin soos kolomme van 'n Romaanse basiliek lyk, en oor die algemeen word die ooreenkoms tussen hierdie beroemde tentoonstellingsruimte met 'n tempel vererger. Dit is moontlik dat dit bedoel was.
Onmiddellik agter die klipbyl is 'n kompakte bioskoop-saal met 'n film van Wim Wenders, wat vinnig deurloop kan word om kennis te maak met 'n nog groter onderwerp van Ensamble Studio en sy hoof, Anton García-Abril. Kruising onder die rye kolomme en die reguit pad blokkeer, rus twee reuse-I-balke in die ruimte van die saal, soortgelyk aan spore en te oordeel na hul grys kleur, waarskynlik beton. Die een reusagtige balk lê op die ander en sy vrye punt rus op 'n veer so lank soos 'n gemiddelde man. Die lente ondersteun natuurlik niks regtig nie, kinders speel daarmee, maar dit lyk baie indrukwekkend. Dit kan nie 'n 'lente' genoem word nie; en as die skaal van die beeldhouwerk daar in die heel eerste saal ooreenstem met die grootte van die binnekant, dan lyk dit of dit selfs te groot is vir 'n arsenale interieur, dit oortref en selfs 'n bietjie onderdruk.
Vanuit so 'n progressiewe groei dink u onwillekeurig - my God, wat volgende gaan gebeur. Maar dan bevind ons ons in 'n wolk ('lewensgrootte' - soos vermeld in die kuratoriale manifes), gesamentlik gebou deur die Japannese argitek Tetsuo Kondo en ingenieur Matthias Schuler van die Duitse maatskappy Transsolar, wat spesialiseer in klimaatingenieurswese (met die kenmerke van die besonderhede van die onderneming)., dit is maklik om te raai waarom die wolk; klimaatbeheer het die Arsenal binnegesluip en sy eie weer daarin gereël …). Die saal is gevul met 'n witterige mis wat deur spesiale installasies deur die gate in die muur gepomp word. Die mis versprei op die vlak van die galerye, en 'n heliese struktuur word in die middel gebou en klim waarlangs u deur die wolk kan gaan en dit van bo af kan aanskou. Die wolk versprei in lae flarders, dit is bedompig bo, soos in 'n bad, maar die effek is wonderlik. Muskoviete het weliswaar 'n soortgelyke uitwerking gehad net so onlangs as Augustus met die aankoms van rook in die stad; in die Arsenal is hierdie wolk egter dikker, skynbaar veilig.
Die kurator interpreteer die gesamentlike werk van sy landgenoot en 'n Duitse ingenieur soos volg: dit stoot ons tot 'n nuwe begrip van die ruimte, al is dit net omdat die wolke se grense vervaag word. Die grense is inderdaad vervaag, alhoewel dit binne die raamwerk van die saal geleë is. Om in die mis te duik, is lekker; maar dit is onmoontlik om nie te onthou wat die wolke reeds gedoen het nie - eerstens die beroemde argitek-kunstenaars Elizabeth Diller en Ricardo Scofidio. Miskien is dit die rede waarom die kurator fyn in sy boodskap opmerk: nie alle installasies is oorspronklik in terme van styl nie, maar baie verteenwoordig die toppunt van moderne tegnologie.
Die Indiese ateljee Mumbai het die volgende groot saal met stukkies houtmodelle gemaak en klassieke driebladige waaiers aan die plafon gehang en dit in 'n 'werkswinkel' omskep - maar vir so 'n groot ruimte is dinge nog nie genoeg nie, 'n gevulde illusie van artistieke verstoppings ontstaan nie; dit blyk in vergelyking met die eerste installasies kleinerig, maar knus.
R & Sie (n), die Paryse argiteksfirma François Roche en Stéphane Laveau, wat twee jaar gelede wit modelle van bioniese beeldhouwerkgeboue in die Italiaanse paviljoen vertoon het, het een van hul bisarre wesens in die Arsenal-kamer vrygelaat en dit in 'n tafel omskep. bene. Enersyds is hierdie Marsdier bedek met glasgroei, gloei met 'n groen lig, monitor dit uit die teenoorgestelde punt, in die middel bo 'n stuk veelkleurige pseudo-mineraal, 'n toestel soortgelyk aan 'n Geiger-toonbank. In die verklaring onthou die outeurs Tarkovsky se "Stalker" en praat hulle oor die grense van die prestasies van die beskawing - waarskynlik, hierdie installasie behoort te reageer op die kurator se tesis oor "grense". Omdat dit, anders as sy bure, geen invloed op die ruimte het nie; dit wys ons eerder 'n eksotiese inwoner wat binne woon.
Maar die saal van Olafur Eliasson is baie effektief: in die donker word drie slange van die plafon opgehang, wat rondom die fantastiese kronkelende strale water strooi, onderskeibaar in die senuweeagtige flitse van stroboskopiese lig. Die eksotiese stort is betowerend, maar moeilik om te fotografeer. Ek moet sê dat die woorde van Sejima dat baie beelde nie nuut sal wees nie, eerlik waar is - Eliasson het die eerste soortgelyke stort in 1996 gemaak.
Verder - weer lig, 'n houtraam van 'n plat koepel van 'n Chinese buro met die Franse naam Amator (wat amateur beteken). Dit was inderdaad asof die amateurs hierdie matjies met boute draai. maar die vermoë om die grens van die koepel oor te steek, waar dit gewoonlik onmoontlik is om dit oor te steek en letterlik 'die koepel binne te gaan', is nogal nuuskierig (weereens, grense).
By hierdie lyn moet ons die Jeanette Cardiff Music Hall voeg, waar luidsprekers in 'n sirkel geplaas word, en in die middel is daar stoele om na die resulterende (volumetriese? Argitektoniese?) Musiek te luister. En die kit sal voltooi wees. Hier is net 'n stel wat?
Die beloofde argitektuur daarin lyk op die oog af nie genoeg nie. Natuurlik word tradisionele uitlegte en tablette in 'n algemene volgorde aangetref: die opvallendste vir die Russiese oog is die kompetisieprojek van die Perm Museum-gebou van Valerio Oljati, die opvallendste vir die oog in die algemeen is die Taichung Opera projek van Toyo Ito. Hierdie gebou, wat lyk soos 'n klein fragment uit 'n baie groot termietheuwel (China), word noukeurig aangebied en voorsien van volledige dokumentasie wat op die tafels lê in die vorm van dik albums in die skrywer se taal. Maar die projek wat in so 'n besonderheid getoon word, is 'n uitsondering en moontlik 'n gevolg van die vryheid wat deur die kurator verklaar word. Die uiteensetting van die Arsenal word gevorm deur installasies wat boonop nie altyd deur argitekte gemaak word nie, maar, soos ons sien, deur ingenieurs en, meer dikwels, deur kunstenaars wat professioneel en goed in hierdie genre werk. Byvoorbeeld, Olafur Eliasson - in sy portefeulje is daar baie goeie en verskillende, gewoonlik grootskaalse installasies (daar is terloops verskeie "wolke" daar, Dealer en Scofidio is nie die enigste in hierdie genre nie). Matthias Schuler is 'n ingenieur. Dit wil sê dat die kuratoriale uitstalling in die Arsenal geensins 'n tentoonstelling van argitekte geword het nie.
Dit beteken nie dat daar geen argitektuur in is nie. Omdat dit die skrywer van museumruimtes was, het Kazuo Sejima vir my die hele tentoonstelling omskep in argitektuur as geheel: sy het dit nie as 'n ontwerper ontwerp nie en het dit nie eens as kurator saamgestel nie, maar dit gebou en die meeste van hulle gekombineer. die installasies in 'n ketting waarin elke deelnemer sy eie manier bied om die ruimte van die Arsenal artistiek te begryp. Dus het die Arsenal self die hoofuitstalling geword. En ek moet sê dat die houding teenoor hierdie tentoonstellingsruimte paradoksaal is - almal hou baie daarvan, maar as hulle uitstallings daarin organiseer, gee hulle min aandag daaraan en plaas hulle bloot iets daarbinne. Arsenal word waarskynlik aanstoot gegee deur sulke minagting, lyk somber en druk met groot skaal op die gehoor. Maar hy is goed in homself, en dit is lekker dat die nuwe kurator dit raaksien.
In hierdie geval vertoon die kuratoriese uiteensetting nie soseer argitektuur as dit self nie. En die gang deur die tentoonstelling word nie lees nie, nie kontemplasie en nie kyk nie, maar - onderdompeling in argitektuur (so onderdompel in 'n vreemde taal). En die deelnemers aan die uiteensetting, 'sogenaamde gratis' kunstenaars en ingenieurs, het vir Sejima die middele geword om argitektoniese begrip van die ruimte van die Arsenal te hê. Wat terloops waar is as ons onthou dat argitektuur die belangrikste kuns is, en die res dit eens gehoorsaam het. Hier is 'n kurator van SANAA wat hulle almal onderwerp het, maar baie, baie onopsigtelik. Sy het nie die uiteensetting in die binneland gereël nie, maar die ruimte gevul met inhoud. Die binnekant van die Arsenal het haar, soos 'n wederkerige, by die rol van die "hoofuitstalling" aangesluit en aangenamer geword. In elk geval, nou wil ek daarna kyk en die lang reis deur die Arsenal hierdie keer is nie so vermoeiend soos twee jaar gelede nie.
Miskien is dit te wyte aan die feit dat dit baie leemtes het en nie baie inhoud nie - 'n soliede vorm, en selfs daardie gewiglose, Japannese-Shinto: lig, donkerte (verweef binne soos yin en yang), klip, wolk, water, klank … U kan waarskynlik selfs sê dat Sejima 'n aantal reproduksies van reeds bekende installasies by die Arsenal gereël het, en dit gebruik het as 'n middel vir 'n argitek om met ontwykende elemente te werk, om die ontwykende, glans, skaduwee vas te vang - dinge waarin die Japannese kultuur so is sterk. Dit is die moeite werd om in Arsenal te beleef.
As 'n geheelstuk en 'n besinning oor die hoofelemente word die uitstalling goed ontvang. Woorde ontbreek egter 'n bietjie; daar is belangrike aspekte - soos ruimte en grens, waaroor Sejima voortdurend praat, ook tydens gister se perskonferensie. Alle ander woorde word op 'streng aangewese plekke' versamel; Arsenal het 'n onderhoudskamer gevul met stoele en monitors met koptelefoon - liefhebbers van woorde kan baie lank toesprake geniet, die sprekerslys is 'n hele muur.
Kortom, die kuratoriale tentoonstelling in die Arsenal blyk reg te wees as 'n ander argitektoniese werk van SANAA.
Andersins het die struktuur van die tentoonstelling, wat vir baie bekend is, onveranderd gebly. Kuratoriale uitstalling in die Arsenal, in die voormalige “paviljoen van Italië”, herdoop tot Palazzo Espozicione (Paleis van Uitstallings); uitstallings van nasionale paviljoene in Giardini en 'n "parallelle program" in die stad. Die huidige Biënnale is tot 'n mate 'n jubileum - daar is 35 jaar verloop sedert die eerste argitektuuruitstalling uit die Venesiese Biënnale-siklus. Vandaar die herdenkingsgebeurtenisse en herinneringe aan tweejaarlikse tye. In die Column Hall of the Palazzo Justinian (die paleis waar die hoofkwartier van die reëlingskomitee van die Biënnale is), is gister 'n uitstalling geopen oor die geskiedenis van die afgelope 11 jaar van die Biënnale in Venesië, 'n soort verslag oor die prestasies van die Venesiese uitstallingsekonomie; dit bied ook die LUMA-uitstalling aan waarin Frank Gehry se "argitektuurprogram vir 'n nuwe kulturele model" aangebied word.
'N Ander deel van die herdenkingsprogram van die Biënnale is "Architectural Saturday" - soos die persverklaring van die organiseerders sê, sal daar drie maande op Saterdae in Venesië vergader word met belangrike figure van vorige uitstallings, insluitend die kurators van die vorige Biënnale. Vittorio Gregotti (Vittorio Gregotti, 1975 1976, 1978), Paolo Portoghesi (1980, 1982, 1992), Francesco Dal Co (1988, 1991), Hans Hollein (1996), Massimiliano Fuksas (2000), Dian Sudjic (2002), Kurt W. Forster (2004), Richard Burdett (2006), Aaron Betsky (2008).
Ons beplan om geleidelik meer gedetailleerde verslae oor die uitstallings en gebeure van die Biënnale te publiseer. Die uitstalling duur tot 21 November.
